Giacomo Puccini

Puccini nació el 22 de diciembre de 1858 en Lucca en el seno de una familia de músicos eclesiásticos. Desde el siglo XVIII todos los Puccini fueron organistas y maestros de capilla en la Iglesia de San Martino de esta ciudad. El último fue su padre.

En 1880 Puccini escribió la Messa di Gloria, a la vista de la cual un tío suyo, Fortunato Magi, decidió fomentar su educación musical. Después de estudiar música en el conservatorio de Milán y de muchas privaciones por sus escasos recursos (1880-1883), escribió su primera ópera Le Villi (1884), lo que le valió el encargo de una segunda ópera, Edgar (1889), y la amistad para toda la vida de Ricordi, uno de los principales editores musicales. Su tercera ópera, Manon Lescaut (1893), fue considerada obra de un genio. Sin embargo, La Bohème (1896), dirigida por Arturo Toscanini en su estreno en Turín, no fue bien recibida por el público, aunque algunas de sus arias se encuentran entre las más populares del repertorio actual. Pero sus siguientes composiciones lanzaron a Puccini a la fama mundial.

Otras óperas de este compositor son Tosca (1900), Madame Butterfly (1904), que no gustó en su estreno en La Scala de Milán, aunque más tarde fue un éxito cuando Puccini la revisó, La fanciulla del West (1910), La rondine (1917) y El Trittico, trilogía de óperas en un acto que comprende Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi (1918). Falleció el 29 de noviembre de 1924 en Bruselas cuando componía Turandot, obra que completó Franco Alfano. Estrenada en 1926 es su ópera más exótica.

La Bohème, Tosca, Madame Butterfly y Turandot, las tres primeras con libretos de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, ya pertenecen al repertorio clásico y todas destacan por su suntuosa orquestación, melodías vocales sostenidas y un control del ritmo que permite manipular de forma eficaz la reacción emocional del público. Uno de los temas recurrentes en sus óperas es la destrucción de una joven inocente a manos de una sociedad insensible. En Madame Butterfly la protagonista muestra una evolución emocional y una nobleza que convierten el final en una escena de gran dramatismo. Sus cualidades musicales y escénicas lo sitúan entre los compositores de ópera más destacados.

The Rolling Stones

La banda fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el pianista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman.
us primeras producciones incluían versiones y composiciones influenciadas en el blues, rock and roll y R&B norteamericano de Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley y Muddy Waters. Mientras fueron avanzando en su carrera le adicionaron toques de los géneros dominantes del momento, como en su tiempo lo fueron la música psicodélica, el country, la música disco, el reggae y la música electrónica. En 1965 lanzaron el sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction", que los catapultó al estrellato internacional y los estableció como una de las bandas más populares en la escena musical de su época.
A lo largo de su trayectoria han editado un total de 59 materiales discográficos (entre álbumes de estudio, compilaciones y discos en vivo), puesto 32 sencillos en los top-10 de Reino Unido y los Estados Unidos y vendido un estimado de entre 200 millones y 240 millones de discos alrededor del mundo. En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Beatles, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones, a pesar de que algunos de sus contemporáneos de mediados de los 1960s - como Bob Dylan, Paul McCartney o Eric Clapton - todavía mantienen un puesto clave al frente de este género, la asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.


Streets Of Love

Tom Waits

Tom Alan Waits. El ambiente que le inspiró para realizar su primer trabajo, Closing Time, fue el de los cabarets de los Ángeles. Se solía mantener en las listas de éxitos pero cuando no lo lograba, simplemente actuaba en el cine, en películas como La Colina del Infierno o Corazonada (de Francis Coppola).
En la década de los ochenta regresó al las listas de éxitos por trabajos como Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. Asimismo, participó en más filmes, como Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman).
Más recientemente, en 2004, publicó Real Gone, uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans, en el que se incluyen tres CD's: Bawlers, Brawlers y Bastards.
El estilo de Tom Waits es inimitable, su personalidad confiere a su música una esencia propia y muy profunda, E definitiva, es, como podría decirse, un genio incomprendido.


Aint Going Down To The Well No More

Bruce Springsteen

El hecho decisivo desde el cual Bruce Springsteen decidiera unirse a las estrellas de la música, fue a los trece años viendo actuar a un Elvis Presley en su auge musical en el progarma de televisión The Ed Sullivan Show. A partir de este hecho adquirió su primera guitarra y así, unos años más tarde, formó parte del grupo The Castiles.
Como todo el mundo sabe, Bruce es apelado como The Bosh (el jefe), bien, este apodo lo adquirió a partir de su buen trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros.
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut Greatings from Asbury Park, N., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical aunque no vendió muchos ejemplares.
En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a la canción "Born to Run". Esta canción fue un absoluto éxito y lanzó a Bruce Spingsteen a la fama considerado como uno de los mejores cantautores de la época.En septiembre de 1979, Springsteen y la E Street Band se unieron al colectivo anti-nuclear Músicos Unidos por la Energía Limpia en dos conciertos ofrecidos en el Madison Square Garden de Nueva York.Springsteen continuó consolidando la vida obrera como temática de sus canciones con el doble álbum The River en 1980, que finalmente le otorgó su primer sencillo de éxito, "Hungry Heart". Las ventas del álbum fueron notables y su publicación fue seguida de una gira de promoción que llevó a Springsteen a Europa por primera vez.
Hasta el día de hoy el Bosh sigue dando giras por todos las ciudades del mundo cosechando un increíble éxito.

El Rock Sinfónico

El Rock Sinfónico toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la paleta de colores del pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas, secciones de cuerda o sintetizadores como el mellotron. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby, de los Beatles. Los intentos más ambiciosos que siguen (p. ej. el Concierto para grupo y orquesta de Deep Purple o Athom Heart Mother de Pink Floyd) no siempre son afortunados. Tras caer en el descrédito a mitades de los 70, los experimentos que reúnen a un grupo de rock con una orquesta clásica retornan a finales de los 90, con discos como S&M de Metallica.

Deep Purple - Smoke On The Water


The Beatles - Eleanor Rigby

Edvard Grieg

Nació en Bergen (Noruega) el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega.
Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica.
En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.
En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.
Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión, ya que fue el mejor compositor de su país durante el siglo XIX.

La Zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera.

Los primeros autores que aplicaron este nuevo estilo de música fuueron Lope de Vega y Calderón de Barca.

El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839 con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular.

En ésta época se divide en género chico (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de tres actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos autores de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí. En el siglo XX comenzó el declive de la zarzuela.

A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir gracias a la discografía, un campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico español Ataúlfo Argenta. Las mejores voces del momento aparecieron en estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa Verganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad.