Giacomo Puccini

Puccini nació el 22 de diciembre de 1858 en Lucca en el seno de una familia de músicos eclesiásticos. Desde el siglo XVIII todos los Puccini fueron organistas y maestros de capilla en la Iglesia de San Martino de esta ciudad. El último fue su padre.

En 1880 Puccini escribió la Messa di Gloria, a la vista de la cual un tío suyo, Fortunato Magi, decidió fomentar su educación musical. Después de estudiar música en el conservatorio de Milán y de muchas privaciones por sus escasos recursos (1880-1883), escribió su primera ópera Le Villi (1884), lo que le valió el encargo de una segunda ópera, Edgar (1889), y la amistad para toda la vida de Ricordi, uno de los principales editores musicales. Su tercera ópera, Manon Lescaut (1893), fue considerada obra de un genio. Sin embargo, La Bohème (1896), dirigida por Arturo Toscanini en su estreno en Turín, no fue bien recibida por el público, aunque algunas de sus arias se encuentran entre las más populares del repertorio actual. Pero sus siguientes composiciones lanzaron a Puccini a la fama mundial.

Otras óperas de este compositor son Tosca (1900), Madame Butterfly (1904), que no gustó en su estreno en La Scala de Milán, aunque más tarde fue un éxito cuando Puccini la revisó, La fanciulla del West (1910), La rondine (1917) y El Trittico, trilogía de óperas en un acto que comprende Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi (1918). Falleció el 29 de noviembre de 1924 en Bruselas cuando componía Turandot, obra que completó Franco Alfano. Estrenada en 1926 es su ópera más exótica.

La Bohème, Tosca, Madame Butterfly y Turandot, las tres primeras con libretos de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, ya pertenecen al repertorio clásico y todas destacan por su suntuosa orquestación, melodías vocales sostenidas y un control del ritmo que permite manipular de forma eficaz la reacción emocional del público. Uno de los temas recurrentes en sus óperas es la destrucción de una joven inocente a manos de una sociedad insensible. En Madame Butterfly la protagonista muestra una evolución emocional y una nobleza que convierten el final en una escena de gran dramatismo. Sus cualidades musicales y escénicas lo sitúan entre los compositores de ópera más destacados.

The Rolling Stones

La banda fue fundada en Londres en 1962 por el multi-instrumentista Brian Jones, el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards, el pianista Ian Stewart, el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman.
us primeras producciones incluían versiones y composiciones influenciadas en el blues, rock and roll y R&B norteamericano de Robert Johnson, Chuck Berry, Bo Diddley y Muddy Waters. Mientras fueron avanzando en su carrera le adicionaron toques de los géneros dominantes del momento, como en su tiempo lo fueron la música psicodélica, el country, la música disco, el reggae y la música electrónica. En 1965 lanzaron el sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction", que los catapultó al estrellato internacional y los estableció como una de las bandas más populares en la escena musical de su época.
A lo largo de su trayectoria han editado un total de 59 materiales discográficos (entre álbumes de estudio, compilaciones y discos en vivo), puesto 32 sencillos en los top-10 de Reino Unido y los Estados Unidos y vendido un estimado de entre 200 millones y 240 millones de discos alrededor del mundo. En 1989, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 puestos en el cuarto lugar por la revista estadounidense Rolling Stone en la lista de Los Inmortales: los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Son considerados una de las más grandes e influyentes bandas de la historia del rock junto a otras como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Beatles, Queen o The Who. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones, a pesar de que algunos de sus contemporáneos de mediados de los 1960s - como Bob Dylan, Paul McCartney o Eric Clapton - todavía mantienen un puesto clave al frente de este género, la asociación formada por Jagger, Richards y Watts (únicos miembros fundadores en la banda) continúa siendo la más larga en la historia del rock.


Streets Of Love

Tom Waits

Tom Alan Waits. El ambiente que le inspiró para realizar su primer trabajo, Closing Time, fue el de los cabarets de los Ángeles. Se solía mantener en las listas de éxitos pero cuando no lo lograba, simplemente actuaba en el cine, en películas como La Colina del Infierno o Corazonada (de Francis Coppola).
En la década de los ochenta regresó al las listas de éxitos por trabajos como Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. Asimismo, participó en más filmes, como Drácula (1992, de Coppola) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman).
Más recientemente, en 2004, publicó Real Gone, uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans, en el que se incluyen tres CD's: Bawlers, Brawlers y Bastards.
El estilo de Tom Waits es inimitable, su personalidad confiere a su música una esencia propia y muy profunda, E definitiva, es, como podría decirse, un genio incomprendido.


Aint Going Down To The Well No More

Bruce Springsteen

El hecho decisivo desde el cual Bruce Springsteen decidiera unirse a las estrellas de la música, fue a los trece años viendo actuar a un Elvis Presley en su auge musical en el progarma de televisión The Ed Sullivan Show. A partir de este hecho adquirió su primera guitarra y así, unos años más tarde, formó parte del grupo The Castiles.
Como todo el mundo sabe, Bruce es apelado como The Bosh (el jefe), bien, este apodo lo adquirió a partir de su buen trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros.
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut Greatings from Asbury Park, N., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical aunque no vendió muchos ejemplares.
En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a la canción "Born to Run". Esta canción fue un absoluto éxito y lanzó a Bruce Spingsteen a la fama considerado como uno de los mejores cantautores de la época.En septiembre de 1979, Springsteen y la E Street Band se unieron al colectivo anti-nuclear Músicos Unidos por la Energía Limpia en dos conciertos ofrecidos en el Madison Square Garden de Nueva York.Springsteen continuó consolidando la vida obrera como temática de sus canciones con el doble álbum The River en 1980, que finalmente le otorgó su primer sencillo de éxito, "Hungry Heart". Las ventas del álbum fueron notables y su publicación fue seguida de una gira de promoción que llevó a Springsteen a Europa por primera vez.
Hasta el día de hoy el Bosh sigue dando giras por todos las ciudades del mundo cosechando un increíble éxito.

El Rock Sinfónico

El Rock Sinfónico toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la paleta de colores del pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas, secciones de cuerda o sintetizadores como el mellotron. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby, de los Beatles. Los intentos más ambiciosos que siguen (p. ej. el Concierto para grupo y orquesta de Deep Purple o Athom Heart Mother de Pink Floyd) no siempre son afortunados. Tras caer en el descrédito a mitades de los 70, los experimentos que reúnen a un grupo de rock con una orquesta clásica retornan a finales de los 90, con discos como S&M de Metallica.

Deep Purple - Smoke On The Water


The Beatles - Eleanor Rigby

Edvard Grieg

Nació en Bergen (Noruega) el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega.
Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica.
En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.
En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.
Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión, ya que fue el mejor compositor de su país durante el siglo XIX.

La Zarzuela

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Se diferencia de la ópera en que la zarzuela está cantada en español, e incluye partes habladas en lugar de los recitativos cantados de la ópera.

Los primeros autores que aplicaron este nuevo estilo de música fuueron Lope de Vega y Calderón de Barca.

El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839 con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular.

En ésta época se divide en género chico (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de tres actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos autores de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí. En el siglo XX comenzó el declive de la zarzuela.

A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir gracias a la discografía, un campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico español Ataúlfo Argenta. Las mejores voces del momento aparecieron en estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa Verganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad.

Luigi Boccherini

(Italia 1743 - 1805)
Conocido por sus obras de música de cámara y por haber sido uno de los grandes del violonchelo, Nació en Lucca, donde estudió y posteriormente siguió con sus estudios en Roma. Formó parte de la orquesta del compositor italiano Giovanni Battista Sammartini durante un corto periodo de tiempo. Más tarde trabajó como compositor en las cortes de España y Prusia.

En 1769 se estableció en Madrid como compositore e virtuoso di camera de don Luis, infante de España. La mayor parte de sus más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, y están marcadas por la elegancia y el refinamiento del estilo postbarroco que dominaba en su tiempo.

Pero en el año 1785 cambia sustancialmente su vida: fallece su esposa Clementina en Arenas de San Pedro y meses después, el 7 de agosto, su patrón Don Luis. Boccherini regresa solo y con 6 hijos: Joaquina, Luis Marcos, José Mariano, María Teresa, Mariana e Isabel. Una vez en Madrid consigue dos importantes patronazgos: es nombrado compositor de la Corte de Federico Guillermo II de Prusia , sin obligación de residir en Berlín; y el de Felipe-Mariano de Riquer y de Sabater, cuarto marqués de Benavente (1713-1794).

Estos dos mecenazgos fueron decayendo en los últimos años de su vida, de forma que la situación de Boccherini fue empeorando paulatinamente. Angustiado por las desgracias de la pérdida de sus hijos y de su segunda mujer, y a pesar de la ayuda del embajador francés Luciano Bonaparte murió el 28 de mayo de 1805, a los 62 años de edad y, aunque se cree que lo hizo siendo pobre, un reciente estudio de su testamento realizado por uno de sus descendientes directos demuestra que no murió rico pero murió con dinero y no en la miseria.

Boccherini fue enterrado en la iglesia de San Justo de la calle del Sacramento de Madrid, hoy basílica pontificia de San Miguel . En 1927 Mussolini llevó los restos del compositor a Lucca para ser enterrado en la iglesia de San Francisco.

MUSE - Hysteria

MUSE - Supermassive Balck Hole

Jazz. Origen y evolución

Orígenes.
Jazz, forma musical nacida hacia 1900 en Estados Unidos. Posee una historia definida y una evolución estilística específica. En su desarrollo ha tomado elementos de la música folclórica; a su vez, la música popular los ha tomado del jazz. El jazz hunde sus raíces en el eclecticismo musical de los afroamericanos. En esta tradición sobreviven huellas de la música del África occidental, de las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo, de la música popular y clásica europea de los siglos XVIII y XIX y de formas musicales populares posteriores que han influido en la música negra o que son obras de compositores negros. De entre las melodías que influyeron el el jazz se incluyen la música de banjo de los minstrel shows (derivados de la música de banjo de los esclavos), los ritmos sincopados de influencia negra procedentes de la música latinoamericana (que se escuchaba en las ciudades sureñas de Estados Unidos), los estilos de pianola de los músicos de las tabernas del Medio Oeste, y las marchas e himnos interpretados por las bandas de metales de negros a finales del siglo XIX.
A partir de 1910 el director de orquesta W. C. Handy tomó otra forma, el blues, y la llevó más allá de su tradición precedente —estrictamente oral—, con la publicación de sus originales blues. En las manos de los músicos de jazz, sus blues encontraron en la década de 1920 a quien sería quizá su mejor intérprete: la cantante Bessie Smith, que grabó muchos de ellos.
La mayor parte de la música primitiva de jazz se interpretaba en pequeñas bandas de marcha o la tocaban pianistas solistas. Aparte del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en las fiestas campestres, bodas, desfiles y funerales.
Evolución.
El jazz en Orleans.
Con el inicio del siglo XX surgió el primer estilo de jazz documentado, cuyo centro estaba en la ciudad de Nueva Orleans, en el estado de Luisiana. En él la corneta o la trompeta llevaba el peso de la melodía, el clarinete tocaba floridas contramelodías y el trombón interpretaba sonidos rítmicos mientras hacía sonar las notas fundamentales de los acordes o una armonía simple.
Amstrong.
Primer auténtico virtuoso de jazz, Armstrong fue un sorprendente improvisador, tanto en el plano técnico, como en el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta. Los grupos con los que grabó, los Hot Five y los Hot Seven, demostraron que la improvisación podía ser mucho más que una simple ornamentación de la melodía; para ello creó nuevas variaciones basándose en los acordes de la melodía inicial. También creó escuela para todos los cantantes de jazz posteriores al improvisar sin palabras, usando la voz como un instrumento (técnica denominada scat singing).
El jazz en Chicago y en Nueva York.
Para el jazz, la década de 1920 fue una época de gran experimentación y numerosos descubrimientos. Muchos músicos de Nueva Orleans, incluido el mismo Armstrong, emigraron a Chicago; allí ejercieron su influencia sobre los intérpretes locales y estimularon la evolución de un estilo identificable, derivado del estilo Nueva Orleans pero acentuando la actuación de los solistas y añadiendo con frecuencia el saxofón a la orquestación.
La era de las Big Bands y el origen del swing.
Durante la década de 1920 hubo grupos de jazz que comenzaron a tocar siguiendo el modelo de las bandas de baile de sociedad, formando las que se dieron en llamar big bands. Fueron tan populares en las décadas de 1930 y 1940 que este periodo se conoce como la era del swing. Uno de los aspectos más importantes en el nacimiento de la era del swing fue un cambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans, utilizando un compás más fluido, de cuatro tiempos. El desarrollo de las big bands como medio jazzístico se debió en gran parte a Duke Ellington y Fletcher Henderson.
La década de los 40 y la posguerra.
El músico de jazz más influyente de la década de 1940 fue Charlie Parker, que se convirtió en el líder de un nuevo estilo conocido como bebop, rebop o bop. Al igual que Lester Young, Charlie Christian y otros solistas destacados, Parker tocaba con big bands. Sin embargo, durante la II Guerra Mundial la economía de guerra y los cambios en los gustos del público llevaron a la disolución de muchas de estas orquestas. Esta decadencia, en combinación con el estilo radicalmente nuevo del bebop, produjo una revolución en el mundo del jazz.
Finales del 50. Décadas del 60 y 70.
Durante el tercer cuarto del siglo XX se crearon nuevas tendencias en el jazz. La década de 1960 rivalizó con el final de las décadas de 1920 y 1940 como uno de los periodos más fértiles de la historia del jazz. Las nuevas tendencias que surgieron fueron:
-el jazz modal
-el mainstreem
-el jazz de fusión
La década de los 80.
A mediados de la década de 1980 los artistas de jazz utilizaban nuevamente una gran variedad de estilos para públicos distintos y diferentes audiencias, y había un renovado interés por el jazz serio (por oposición al de orientación pop). Uno de los interesados era el trompetista Wynton Marsalis, también aclamado por sus interpretaciones de música clásica. Si bien el jazz siguió siendo en esencia un feudo de los músicos estadounidenses, su público internacional floreció hasta el punto de que los músicos de otros países formaron un subgrupo cada vez más importante dentro del jazz en las décadas de 1970 y 1980; algunos de sus predecesores son el guitarrista belga Django Reinhardt y el violinista francés Stéphane Grappelli. En España han destacado sobre todo el pianista y compositor Tete Montoliu, y el saxo tenor y compositor Pedro Iturralde.

El Mesías - Haendel

El Mesías es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duettos, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La Flauta Mágica - W. A. Mozart

La flauta mágica es una de las obras más conocidas de Mozart. En realidad se trata de un singspiel, una composición operística popular en alemán que se caracteriza por intercalar partes habladas. El libreto fue escrito por Emanuel Schikaneder, supuesto compañero de logia del propio Mozart, que se cree era masón. Basándose en una serie de cuentos orientales traducidos al alemán por aquella época, Schikaneder y Mozart escribieron un libreto plagado de fantasía, personajes disparatados, animales y toda clase de criaturas (serpientes de cuatro metros, geniecillos y un largo etcétera) en el que introdujeron crípticas referencias masónicas que pasaran desapercibidas para el gran público pero resultaran obvias para sus compañeros de logia. Según algunos historiadores, el triple acorde inicial, el cielo estrellado en la famosa aria de la Reina de la Noche, los ritos iniciáticos de los enamorados, las pirámides y las figuras cabalísticas son un trasunto de buena parte de las prácticas y símbolos de la masonería.
una línea argumental básica. El sacerdote Sarastro secuestra a Pamina, la hija de la malvada Reina de la Noche, quien envía al príncipe Tamino a rescatarla. Éste se enamora de Pamina y ve en Sarastro la encarnación de la verdad y la bondad con lo que despierta la ira de la Reina. Entonces entra en escena Papageno, el pajarero de la Reina, quien representa el papel antagonista de Tamino (el realismo del primero frente al idealismo del segundo). La historia concluye felizmente, Sarastro triunfa frente a la Reina de la Noche, Tamino y Pamina consiguen sellar su amor y Papageno encuentra en Papagena una versión femenina de sí mismo.

La Flauta Mágica se estrenó en el Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791. A cargo de la dirección estuvo el propio Mozart, mientras que Schikaneder interpretó a Papageno y la cuñada del compositor, Josepha Hofer, interpretó el papel de la Reina de las Noche. Mozart moriría apenas dos meses después del estreno.

King Kurt - Gather Your Limbs (1984)

King Kurt - Rockin Kurt (1984)

Bella's Lullaby (Crepúsculo)

El Saxofón

El Saxofón fue inventado alrededor de 1840 por Antoine-Joseph Sax (1814-1894), apodado Adolph Sax, nacido en Dinant (Bélgica); factor de instrumentos, como su padre, presenta su muevo instrumento al público por primera vez en agosto de 1841 (Saxofón Bajo), formando parte de la segunda exposición del Museo de la Industria de Bruselas. El 3 de febrero de 1844, Sax en persona interviene en la audición de la primera obra instrumental con saxofón; se trata de una transcripción que Berlioz hizo de su "Hymno Sacro", y que se interpretó en la sala Herz de París.
A partir de 1845 el saxofón pasa a formar parte de las bandas de música militares de Francia, con lo cual comienza un largo e importante camino que se prolonga hasta hasta hoy, extendido desde hace ya años a las Bandas Sinfónicas, donde desempeña un extraordinario papel. Es también utilizado magistralmente como vehículo sonoro desde 1850, para expresar la atmósfera fascinante y exótica del Jazz, primero en América, y después hacia los años 20 del siglo XX en Europa. Sin embargo, no es frecuente encontrar al saxofón formando parte integrante de la Orquesta Sinfónica, a pesar de que autores como: Thomas, Massenet, Bizet, Meyerbeer, Ravel, Prokofief, Milhaud, Strauss y Gershwin entre otros lo emplearan en algunas de sus obras. Su desarrollo también se ha visto afectado por la falta de continuidad de su uso en Orquestas Sinfónicas y por un estancamiento en el progresivo proceso de aumento de empleo del instrumento por los compositores así como en la popularización del saxofón entre el público. El problema principal se reduce, a la falta de verdaderos especialistas de saxofón. Un saxofón tocado de forma erronea es contraproducente al aumento de su prestigio y popularidad.
Sería faltar a la realidad del saxofón, si no indicamos los nombres de aquellos saxofonistas que con más acierto han hecho del saxofón lo que es hoy. En música clásica destacan: Marcel Mule (considerado el inciador de la escuela clásica del saxofón), Sigurd Rascher, Jean-Marie Londeix, Celil Leeson, Daniel Deffayet y Donald Sinta entre otros. En Jazz destacan: Rudy Wiedoeft, Sidney Bechet, Charlie Parker, Coleman Hawkins, Paul Desmond, Stan Getz, Gerry Mulligan y el español Pedro Iturralde.

Genesis

Génesis es una banda Inglesa de rock formada en 1967. Los miembros con mayor permanencia han sido Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks. En sus inicios Peter Gabriel, Anthony Phillips y Steve Hackett también fueron miembros del grupo.
En 1968 sacaron su primer sencillo, The Silent Sun.
Después sucedieron muchos cambios dentro de la banda, como la salida de Anthony Phillips y de John Mayhew.
Genesis ha atravesado por dos etapas principalmente. La mejor, la insuperable y para muchos la única es el primer período con Peter Gabriel. Después, al salirse Gabriel para dedicarse a solo, Phil Collins toma el mando del grupo, imprimiendo una etapa pop y comercial en la mayoría de sus discos subsecuentes. Genesis ha sido ejemplo a seguir por muchos grupos que nacieron en los 80 principalmente, siendo probablemente Marillion el más característico. A través de los años, la música de Genesis ha determinado una pauta a seguir, por su genialidad compositiva, su claridad en la interpretación, sus letras inteligentes y por supuesto, su innovadora música disco tras disco.

El Motete

El motete es una composició musical, generalmente sobre texto sagrado, que se interpretaba en los oficios religiosos. Se originó a principios del siglo XIII.
Los compositores transcribían un canto gregoriano en notas largas y añadían otras partes vocales encima.
La estructura musical de los motetes se volvió extremadamente compleja durante el siglo XIV e incorporó la técnica de la isorritmia (la repetición de patrones rítmicos y melódicos separados y superpuestos) generalmente en la parte del tenor. A veces las partes agudas llegaron a tener compases diferentes sonando de forma simultánea.
El motete perdió popularidad a inicios del siglo XV, cuando surgió un estilo de música más ligero y melodioso. A partir de 1450, revivió y se convirtió en el vehículo maestro de la experimentación en la composición musical.

Diferencias entre Haendel y Bach

Haendel procede de una familia de abogados, viajó a Italia y vivió en Inglaterra. Este compuso óperas al estilo italiano y oratorios ingleses para la corte. Sin embargo, y contradiciendo los hechos anteriores de la vida de Haendel, Bach viene de una familia de músicos y vivió en Alemania. En cuanto a sus composiciones, fueron cantatas y tocatas para la liturgia protestante. Además, Bach fue más conocido en vida como organista que como compositor, y Haendel como empresario teatral.

Watcha Gonna Do When The Creek Runs Dry - Crazy Cavan

Evolución de la Notación Musical

La escritura musical no es una invención moderna, sino el resultado de un largo proceso. La primera forma de escritura musical se dio entre los siglos VIII y IX , hoy se conoce como notación neumática.
Los neumas eran signos elementales que se colocaban sobre cada sílaba del texto y servían de guía para recordar la melodía que debía ser cantada perteneciente a un repertorio conocido de antemano.Los cuatro neumas elementales son: punctum, virga, clivis y podatus.
Los neumas no indicaban ni la altura relativa del sonido ni el ritmo de la melodía, sino que monstraban el sentido o la dirección que debía tener la línea melódica.
Hacia 1150, estos neumas adoptaron una forma más definida, lo que se llamó notación cuadrada.
En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de los sonidos musicales. Al principio una línea roja trazada sobre el pergamino señalaba el sonido Fa y servía como referencia para los demás sonidos, luego se añadió una segunda línea de color amarillo que representaba un DO y, finalmente, el monje benedictino Guido D´Arezzo (995-1050) añadió otras dos más, creando el tetragrama o pauta de cuatro líneas. La aparición de la partitura supuso un progreso decisivo en la escritura musical: con la indicación de la altura de los sonidos será posible "leer" la música, aligerar la memoria, y facilitar el aprendizaje de los cantos.
Así mismo ideó un sistema de aprendizaje de los sonidos, intervalos y escalas que se hizo famoso y fue usado durante muchísimos años, conocido como la mano guidoniana.
La invención de la imprenta en 1455 supuso un cambio radical para la divulgación de las partituras. A partir de ese momento se tuvo la posibilidad de multiplicar los originales de las partituras.
Generalmente las copias de las partituras se hacían a mano por expertos. Así, gracias al buen hacer de Bach, las obras de Vivaldi han llegado hasta nuestros días. A partir de 1700, con la llegada de la burguesía al poder, se empezará a producir y a distribuir música impresa a gran escala. Es éste el principio de una evolución que, ayudada por los avances tecnológicos, ha desembocado en la actual presencia constante de la música en nuestra vida cotidiana.
Hacia 1600 se impondrá el sistema de compases. También comienza el uso de los matices de dinámica, aunque no pasan de ser niveles de intensidad muy limitados: forte o piano.
En el siglo XIX, entre los compositores existe una tendencia generalizada a escribir todos los detalles expresivos en la partitura. Por otro lado, se amplía el espectro de indicaciones de tempo: largueto, allegro con moto y andante ma non troppo son algunos ejemplos.Ya más cerca de nuestros días, a principios de siglo XX, pocas innovaciones se introdujeron. Realmente, la notación que nosotros empleamos hoy en la música culta se corresponde con la empleada en la primera mitad del siglo XX. Hoy la escritura musical se ha individualizado tanto, que los compositores emplean frecuentemente sus propios sistemas de notación musical, que suelen incluir en las partituras.

Grease

Sandy y Danny una pareja de jóvenes enamorados, a finales del verano se ven obligados a separarse pues ella debe ir a Australia y Danny se queda en Estados Unidos, pero un cambio repentino de planes los hacen coincidir en el mismo instituto. Las Damas Rosas, un grupo de chicas del instituto los hacen encontrarse y Danny se hace el duro con sus amigos. Al final, y tras varias actuaciones muisicales, Sandy cambia su aspecto de chica buena y reconquista otra vez a Danny, quien no había dejado de quererla. Es todo un clásico que perdura desde la década de los cincuenta, con el estilismo propio de la época.

This is the life - Amy Mcdonald

NIRVANA

Nirvana fue un grupo estadounidense nacido en Aberdeen, Washington.
Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge".
Kurt Cobain, líder de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.
Desde su debut Nirvana ha vendido más de 50 millones de albumes en todo el mundo, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en Estados Unidos.
El fin de Nirvana llegó con el suicidio de Cobain, pues no supo llevar la fama porque decía que él vivía para su música, no para la publicidad. Aún así y ocho años después de su muerte, Nirvana sigue siendo la mejor banda de grunge de todos los tiempos y un icono a seguir para todas aquellas bandas que empiezan actualmente.

Discografía

Nirvana - Nevermind (1991)
Nirvana - Hormoaning (1992)
Nirvana - Incesticide (1992)
Nirvana - In Utero (1993)
Nirvana - From the Muddy Banks of the Whisk (1996)
Nirvana - Unplugged in New York (1994)
Nirvana - Nirvana (2002)
Nirvana - Singles Box

Podrás encontrar toda la información referente al mundo de la música en esta web.

Recursos Musicales del Departamento de Música del “IES San Miguel de Meruelo”. Este blog va a estar dedicado a la recopilación y presentación de diversos recursos para las clases de música.

Aquí podrás encontrar todo sobre música clásica y sus compositores.

Si quieres saber más sobre física acústica esta es la página adecuada.

The Chieftains es una banda irlandesa de música tradicional, fundada en 1963, año de la grabación de su primer LP titulado The Chieftains. Todos eran músicos procedentes de Ceoltóirí Cualann , la orquesta de Sean O'Ríada y de la escena de pubs de Dublín. El éxito de la formación exclusivamente instrumental fue una sorpresa, ya que la emergente escena folk irlandesa se nutría principalmente de los aportes que los cantantes de grupos como The Dubliners o The Clancy Brothers realizaban.

La formación publicó su segundo disco, The Chieftains 2 , en 1969 con algunos cambios: Seán Keane se incorporó como violinista y Peadar Mercier reemplazó a David Fallon en el bodhrán. El año 1971 , en que su tercer disco The Chieftains 3 salió al mercado supuso el despegue de la banda y el reconocimiento a su estilo, fuertemente tradicional pero con innovaciones enriquecedoras. La banda tocó por primera vez en los Estados Unidos de América en 1972 , a lo que siguieron varias giras en 1973 y 1974 .

Arpa irlandesa

El arpa irlandesa o arpa celta (cláirseach en gaélico) es uno de los símbolos principales de Irlanda. Está presente en todos los iconos irlandeses, tanto en las monedas como en banderas desde la Edad Media o en la misma botella de cerveza Guinness.

Desde el siglo VIII hay rastros de su existencia y parece ser que los arpístas estaban especialmente bien considerados en la Corte de forma que incluso algunos Reyes fueron músicos relevantes. En el Trinity College se puede admirar una de las más antiguas que se conservan hoy en día, datada entre los siglos XIV y XV, llamada Brian Boru harp precisamente en honor al más afamado Rey arpísta medieval.

Hoy en día es un instrumento clave en la música folk celta.

J. S. Bach

El compositor Johann Sebastián Bach nació el 21 de Marzo de 1685 en la ciudad de Eisenach, Alemania, en el seno de una familia de destacados músicos y compositores.
En el año 1703 lo encontramos ocupando el puesto de organista del templo de Saint Bonifacio. Se estima que por esta época realiza un viaje para conocer al compositor Buxtehude. En el año 1707 se casa con su prima María Bárbara con la cual engendrarán ocho hijos. En 1708 se traslada a ocupar el puesto de "Organista de corte" a la ciudad de Weimar llegando al puesto de "Konzertmeister" en el año 1714. Se cree que en esos años que paso en la corte de Weimar es cuando compuso el grueso de sus obras para órgano.En el año 1717 Bach viaja a la ciudad de Cothen para tomar un cargo de mayor jerarquía en la corte del príncipe Leopold. En la mencionada corte serán compuestos los famosos "Conciertos de Brandenburgo". Aproximadamente en el año 1720 muere su esposa Bárbara. Al año siguiente lo encontramos contrayendo matrimonio con Anna Magadalena, su segunda esposa.En el año 1725 logra reunirse y conocer a Handel, autor del Mesías, por quien sentía una profunda admiración. Luego de 1736, la música de Bach adquiere mucha relevancia en la ciudad de Leipzig.
El 28 de Julio de 1750 el maestro fallece en la ciudad de Leipzig. Algunos biógrafos concuerdan que Johann Sebastian Bach junto con sus obrar cayeron en el olvido luego de su muerte y no fue sino hasta comienzos del siglo XIX cuando las mismas comenzaron a tener nuevamente la relevancia que les corresponde.

Elvis Presley

Elvis Aaron Presley nació hace más de 67 años, el 8 de enero de 1935, en el Poblado de Tupelo, Mississipi. Como hijo gemelo sobreviviente de Vernon y Gladys Smith Presley, quienes trabajaban en una compañía de pinturas y en un hospital como enfermera, respectivamente, el jovencito vivió una vida de apego a su madre, particularmente tras el cambio de residencia familiar a la ciudad de Memphis, Tennesee, donde a partir de sus trece años empezó a desarrollar un interés por el blues de los negros.
Tras graduarse de la escuela secundaria, Elvis se empleó como chofer de tractor en una compañía de electricidad, hasta que cierto sábado de julio de 1953 decidió acudir a la modesta compañía de discos Sun, para realizar una grabación privada de la canción "My Happiness", que le regalaría a su madre el día de su aniversario.
Apenas un año después, Elvis regresó al estudio de Sun Records con el propósito de grabar un segundo disco privado, que incluiría las canciones "Amor de ocasión" y "Nunca permaneceré en tu camino". Fueron precisamente estas interpretaciones las que le abrirían el camino hacia la fama y el éxito al llamar la atención del promotor Sam Phillips.
En 1956 Elvis grabó por primera vez en los estudios neoyorkinos de la RCA su versión a la canción de Carl Perkins Blue Suede Shoes. En ese mismo año, su éxito "El hotel de los corazones rotos" lo convirtió en millonario vendedor de discos. Fue precisamente a consecuencia de su carisma y talento como intérprete, que una de las principales compañías de películas decidió que valía la pena capitalizar su éxito en las taquillas de los cines con su primer largometraje, originalmente titulado "The Reno Brothers", pero renombrada "Love Me Tender" en honor a una de sus canciones más sentidas.
El 24 de marzo de 1958, Elvis Presley ingresó al ejército de los Estados Unidos de América, enterrando con ello la que sería su epoca más interesante como cantante e innovador.
La imagen de seguridad que se proponía proyectarle al mundo se empezó a derrumbar el 14 de agosto de 1958, cuando a la edad de 42 años, su madre dejó de existir.
Con el nacimiento de su hija Lisa Mari, la popularidad de Elvis recibió un nuevo ascenso. A partir de ese momento, la letra de las canciones que cantaba se convirtieron en poemas llenos de amor, vivencias, sustancia y realidad. En esta tercera etapa sus mayores éxitos fueron canciones del tipo de "Suspicious Minds", "In the Ghetto" o "Burning Love".
Elvis pasó de la depresión a la esquizofrenia, de la melancolía a la hiperactividad, de la amabilidad a la ira y a la histeria, de sus 70 kilos de peso a los más de 115 que lo aislaron en las paredes de Graceland.
En escena, daba la impresión de que no le importaba nada, ni la música, ni su imagen, ni sus largos monólogos que cada día se volvían más incomprensibles. No cabía duda de que el Rey se hallaba gravemente enfermo física, espiritual y emocionalmente.
Pocos días antes de su muerte, Elvis ya no coordinaba sus ideas; perdía la memoria y caía en incoherencias. Fue así que el martes 16 de agosto de 1977, a las 2:20 de la tarde, Joe Esposito, manager y administrador de Elvis decidió presentarse en su habitacion para terminar de arreglar con él lo referente a unos conciertos que estaba organizando. Al no encontrarlo en su cama, se dirigió al baño, donde yacía en el suelo.
Al enterarse de la muerte del rey a los 42 años, el mundo cambió su ritmo. En Inglaterra hubo quienes espontáneamente vistieron de luto. En París, "Le Monde" le rindió homenaje pósturno y en Japón los locutores lloraron abiertamente ante el micrófono. Los admiradores llegaron a carretadas a Graceland para formar parte del cortejo fúnebre que acompanaría a Elvis a su última morada. "El Rey ha muerto, descanse en paz", fue el coro que se escuchó en los corazones de sus seguidores.

Bob Seger

Crece en Detroit. En 1966 empieza a grabar como Bob Seger & Last Heard, consiguiendo algunos éxitos locales y buenas críticas. Edita su primer LP en 1969: "Ramblin' Gamblin' man", pero poco después abandona eventualmente la música para estudiar. En 1971 ya está actuando de nuevo, pero no comienza a obtener resultados hasta que crea tras él a una formación fija: The Silver Bullet Band, con los que graba "Beautiful Loser" en 1975.La llave del éxito definitivo es su L'P en directo "Live Bullet" en 1976, y ese mismo año edita otro álbum con material nuevo: "Night Moves", con el que conseguirá un disco de platino. Los siguientes discos aún superan progresivamente sus ventas: "Stranger in town", "Against the wind" son ya triple platino.
"Nite Tonight" es un nuevo disco en directo que les sirve para reponer fuerzas de cara a la creación de su obra más completa "The distance", que contiene su single "Shame on the moon" con el que alcanza el nº 2 en EE.UU. Su siguiente disco "Like a rock", tendrá buenos resultados como los anteriores y, por primera vez, Seger comparte las labores de composición con otra persona, Croig Frost.
En 1987 interpreta un tema de Keith Forsey , "Shake Down", en la banda sonora de Beverlly Hills Cop II (superdetective en Hollywood II),con el que consigue su primer nº 1 en Estados Unidos.

Dimitri Tiomkin

Nació en Ucrania bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crack del 29 a Hollywood. Sus canciones más conocidas son, principalmente, High noon la canción de Sólo ante el peligro o O.K. Corral de Duelo de titanes. Durante los años de la Segunda guerra mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto. Fue nominado en 15 ocasiones al oscar y ganándolo 3 veces por Sólo ante el peligro (1952), The high and the mighty (1954) y El viejo y el mar (1958).

Sonata

El término sonata tiene varios significados. Designa tanto a una pieza musical completa, como a un procedimiento que utiliza dos temas contrarios, llamado “forma sonata”.
La sonata clásica es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos. Al principio eran más comunes las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que empezó a aumentar la duración y la complejidad fueron más comunes las de cuatro movimientos.
En la época barroca, el término sonata se utilizó para describir obras de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Aún así, la sonata barroca no está definida por una forma específica de su argumento musical.

Los movimientos de sonata son los que siguen:
1) Allegro de sonata: el primer movimiento es un alegro complejo (en «forma sonata» propiamente dicha), dotado o no de una introducción lenta. Está formado por tres secciones: exposición, desarrollo y reexposición.
2) Movimiento lento, andante, adagio o largo, que puede tener diversas formas como suite o lied.
3) Movimiento en forma de danza, minuet o a veces scherzo.
4) Un nuevo allegro, menos formalmente estructurado que el inicial allegro da sonata o puede tener otras formas como el rondo-sonata que es una combinación de la forma rondó con la forma sonata explicada para el primer movimiento;

Antonio de Cabezón

(Castillo de Matajudíos, Burgos, 1510-Madrid, 1566) Compositor y organista español. Cursó brillantes estudios musicales a pesar de su ceguera prematura. A los dieciséis años ya era organista en la capilla real de Carlos I, y más tarde en la de Felipe II. Viajó con ambos reyes y conoció a los mejores músicos de su época. Desde el punto de vista instrumental sus obras son muy avanzadas, ya que compuso las primeras variaciones de la música española. Su hijo Hernando publicó póstumamente su producción, que agrupó bajo el título de Obras para música para tecla, arpa y vihuela. También se consideran obra suya aquellas partes que llevan el nombre de Antonio en el libro de L. Venegas de Henestrosa Libro de cifra nueva para tecla. A su muerte, su hijo Hernando le sucedió como músico de la cámara y capilla reales.

Vihuela y Vihuelistas

La vihuela de mano fue el instrumento más importante durante el siglo 16 en España. La escuela vihuelística de siete compositores llevaron al instrumento a su máxima expresión. Aunque se sabe de un tipo de vihuela en el sur de Italia debido a las relaciones en común entre ambos países, el resto de Europa se inclinó por el laúd o vihuela de Flandes. Tanto la vihuela como el laúd desempeñaron la misma función dentro de los círculos musicales cortesanos e intelectuales. En ambos, la técnica y las prácticas de interpretación son idénticas, excepto por el dedillo en la vihuela (movimiento rápido hacia afuera y adentro del dedo índice). Lo que se llamaba dos dedos (alternancia de el índice y el pulgar) tenía dos variantes de acuerdo con Venegas de Henestrosa, figueta castellana y figueta estranjera. El repertorio incluye en su mayoría intabulaciones de canciones populares y sacras, fantasías, tientos, diferencias sobre progresiones armónicas populares y arreglos de madrigales italianos, sonetos, chansons francesas y transcripciones de coplas y ensaladas. Los arreglos de bailes son escasos. El término vihuela en la actualidad se usa para referirse a un tipo de guitarrón que usan los 'mariachis' mejicanos. Sin embargo, la vihuela y la guitarra se usaron en la América colonial hispana.

En el siglo XVI destacan dos acontecimientos importantes en la música europea: un desarrollo espectacular de la polifonía y un gran auge de la música instrumental. La escuela española de los vihuelistas representa una de las más brillantes y coherentes manifestaciones musicales de su tiempo. Entre 1535 y 1576 estos humanistas españoles consiguieron imprimir y editar siete colecciones que han llegado a nuestros días. Algunos vihuelistas fueron Esteban Daza, Enríquez de Valderrábano, Diego Pisador, Alonso Mudarra, Luís de Narváez y Luys Milán.

Rock & Roll

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COMUNIDAD BLANCA Y NEGRA EN EL ROCK AND ROLL

La comunidad afroamericana fue la que inició este estilo, la musica rock & roll es en realidad el resultado, tras una larga síntesis que se inicia con el siglo, de la adaptación de esta sociedad a una concepción y una estética “blanca”, lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. De esta forma fue considerado por compositores de blues, tales como Muddy Waters, “un hijo del rythm and blues al que llamaron rock”, siendo numerosas organizaciones racistas estadounidenses las que afirmaban con desprecio que este nuevo tipo de música “rebajaba al hombre blanco a la categoría de negro”. La variante, en cualquier caso, de acuerdo con estas interpretaciones, radicaría en el hecho de que la base del rock & roll, el viejo blues, estaba revisada, para mayor gloria de la raza blanca, a través de inyecciones de ritmo tan pronto dulce, como de andanadas de sonido estridente, rápido y energético. Durante mucho tiempo este nuevo estilo de música fue llamado como una síntesis ligera de blues y R&B, y hallaría su ídolo fundacional a mediados de la década de 1950 en la figura de Elvis Presley, aún cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ( “Crazy Blues”, un tema cantado en 1920 por Mammie Smith ) hubieran pasado casi tres decenios. Esta vía de ”desencuentro”, conforme con sus raíces negras, la seguirían cantantes como Bessie Smith ( llamada la Emperatriz del Blues ), Billie Holiday, Little Richard y, ya en la esfera de la música de finales de la década de 1960 cantada por mujeres blancas, Janis Joplin. Para entonces, por los espasmódicos bailes que suscitaba en grandes masas de jóvenes y sus ritmos trepidantes, el rock se había transformado en algo más que música, era Rock and Roll , energía en estado puro.

INTÉRPRETES DEL ROCK AND ROLL

A principios de los años 50 decenas de grupos de blancos interpretaban sus baladas románticas intercalándolas con temas más movidos y bailables. Como todas las modas, ésta rechazaba lo anterior por anticuado, y el término rock and roll comenzó a utilizarse a partir de 1954 para designar toda esta nueva producción en contraposición al antiguo 'rhythm and blues'.
Así, muy pocos músicos negros fueron promocionados entre los adolescentes blancos como estrellas del rock. Entre ellos podemos citar a Little Richard, Bo Didley, Fats Domino o Chuck Berry.
En los comienzos del nuevo estilo hay que mencionar a Bill Halley (1925-1981), un intérprete que inició su carrera en el country and western. Pese a sus rudimentarios modos musicales, Halley supo sacar partido de la sonoridad de la guitarra eléctrica para grabar, en 1952, junto con su grupo, los Comets, la canción "Rock the Joint"
Pronto aparecieron piezas de un estilo similar, algunos de cuyos intérpretes, tanto blancos (Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Ritchie Valens, Eddie Cochran, los Everly Brothers) como negros (Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino), coparon los primeros puestos en las listas de éxito de Estados Unidos. El nuevo estilo atrajo rápidamente a un amplio público, más allá de cualquier frontera racial.

INSTRUMENTACIÓN Y CARACTERÍSTICAS DEL ROCK AND ROLL

La instrumentación del Rock and roll se diferencia ligeramente de cualquier otro estilo musical, algunas diferencias son las que siguen:
Una es el paso del contrabajo al bajo eléctrico, y mientras el contrabajo se usó en los años 50 (pleno rock and roll), el bajo eléctrico comienza a usarse en los 60 (cuando el rock perdió su roll).
Los instrumentos que componen una banda o grupo de rock son los siguientes:
guitarra eléctrica (una o dos), contrabajo y batería. El hecho de que haya una o dos guitarras se debe a que en algunas canciones había una guitarra encargada de llevar la melodía mientras la otra punteaba. Estas ocasiones fueron cada vez más comunes hasta convertirse en una práctica casi habitual a partir de finales de los 70.
La voz es el instrumento más natural y el que caracteriza a cada grupo o banda. En el mundo del rock no hay una voz característica: puede ser una voz grave o ronca o una voz aguda. Esto ha sido así en todas las etapas por las que ha pasado este estilo musical.
Hay que destacar la presencia de otros instrumentos que, aunque no son muy habituales, sí son
comunes en los grupos de rock como puede ser el teclado.

Como características de este estilo:
La música rock necesita ser analizada y representada de una manera diferente a toda música anterior. Añade la apertura cosmopolita de la música, la variedad de estilo dentro del rock, los movimientos y escuelas simultáneas.
El tempo es irregular, porque puede ir desde una canción lenta, como por ejemplo una balada, hasta una rápida.
Según los modos y estilos el rock se convirtió en hard (duro) o soft (blando), punk o funk, sinfónico o psicodélico, africano o europeo, disco o reagge.

NACIMIENTO Y CREACIÓN DEL ROCK AND ROLL

Rock and roll, rocanrol o meramente rock es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos estilos de folclore estadounidense (rhythm and blues y el country and western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950.
El vocablo «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una estación de radio en Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock’n’Roll Party.El rock and roll emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950. Algunos elementos del rock and roll pueden ser escuchados en las grabaciones de blues tan lejanas como de los años 1920. Los inicios del rock and roll combina elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel, country y western especializado. Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que “pavimentó” el camino hacia el rock and roll.Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley’s Comets, especialmente con “Crazy Man Crazy” (1954) y su gran éxito “Rock Around The Clock” (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll el 1954, año en el que Presley editó su primer disco.